El Cuarto Espejo

El Cuarto Espejo en Rengo

2008-04-07T21:46:00.009-04:00

Un poco tarde la noticia pero de todas forma la publico.
El cortometraje "El Cuarto Espejo" quedo en la selección oficial de la competencia de cortometrajes de escuela del Festival de Cine de Rengo. Además de esto, quedó finalista dentro de la terna, pero lamentablemente no optó por ningún premio. Esperamos que tenga mejor suerte en alguno de los siguientes festivales que se aproximan ala fecha.

Día 4 de Rodaje

2007-12-14T04:22:00.001-03:00

Fotograma Echaurren Escena 2

Fotogramas Puerto

Día 3 de Rodaje

2007-12-14T04:19:00.000-03:00

Fotogramas Echaurren Escena 04

Día 2 de Rodaje

2007-12-12T19:43:00.000-03:00

Fotogramas Bar Día 2

Fotogramas Echaurren Escena 04

Día 1 de Rodaje

2007-12-12T13:58:00.000-03:00

Fotogramas Bar Día 1

Prueba de Cámara

2007-12-10T15:06:00.000-03:00

Prueba reflejo de espejos

Propuesta de Arte

2007-12-10T00:08:00.000-03:00

La dirección de arte es todo lo que vemos dentro del encuadre, es el mundo creado para la película, habla de forma muda sobre quien es el personaje y la situación en que está. Es una información que va directo al inconsciente y no la racionalizamos pero la entendemos de inmediato. Ya sabemos que por como son los zapatos de un personaje podemos saber todo sobre él; por su chaqueta larga deducimos inconscientemente (leyes internas del humano donde interpretamos) el como es el personaje. Podemos entender como es él y la situación en que está por los pantalones que utiliza, por lo que lleva en sus manos, podemos deducir el mundo que lo rodea por una simple botella, una mesa etc. Todos los objetos construyen, moldean al personaje, si no estuvieran no habría película, sencillamente no existiría el cine, probablemente no todos estén de acuerdo, pero entonces si el mundo del personaje fuera un fondo blanco o negro ¿no será esta mas parecida a la pintura o una fotografía? ¿Qué la diferenciarías de estas artes? ¿Solo el movimiento del personaje?... Puede ser pero, no seriamos fieles a los principios básicos de cine; que es la representación de la realidad, ya sea onírica, fantástica, etc. el cine es un “todo”, es un leguaje en movimiento y este lenguaje no es solo el dialogo, sino es el encuadre, el movimiento de cámara, el vestuario, la escenografía, etc. de esa manera se construye un film y el cine. Y eso es lo que quiero aplicar para El Cuarto Espejo, un “todo”. En este cortometraje pretendo armar una armónica conjunción entre la forma y el contenido, tratar de hacer un perfecto dominio de la técnica, esto es, hacer una rigurosa utilización de un lenguaje personalísimo, en este caso el propio del lenguaje cinematográfico ya dada por el director y el guion. En este cortometraje la técnica, la forma y el estilo constituyen una unidad indisoluble, como para cualquier producto estético auténtico, y en gran medida éstos condicionan y determinan el contenido, es decir, aquello que el director pretende comunicarnos (bien sea su particular visión del mundo porteño y del hombre, bien se trate de su personal interpretación del momento que le ha tocado vivir) y todo esto depende de la recopilación de material específico (vestuario) y de la concreta dimensión del lenguaje del objeto (escenografía), que se entregara visualmente y se buscara la belleza de esta. En este punto Hegel, a pesar de su idealismo, cuando se detiene en la región de la belleza artística, considerará en primer lugar el ideal en sí mismo, es decir, la realidad independizada del dominio de lo particular y de lo accidental, pero inmediatamente después se refiere a la determinación del ideal como obra de arte, pues lo ideal, como añade Menéndez Pelayo en su síntesis de la Estética hegeliana dice: «no puede permanecer siempre en el estado de pura concepción abstracta», le es inherente, su manifestación sensible y material. Es esta materialidad de la obra de arte la que se hace explícita a través del lenguaje artístico.

Es este lenguaje artísticos que en El Cuarto Espejo quiero dar, un realismo a lo abstracto (como en ciertas obras abstractas radicales de nuestra modernidad artística), sin embargo, el contenido y la forma se involucran de modo absoluto, son una y la misma cosa. Como dice Max Bense, a propósito de algunas obras de Mondrian y de Kandinsky, «en la pintura abstracta y sin objetos los medios se convierten en portadores de signos y los signos, en el fondo, sólo designan los medios, pero no significan nada. Trátase pues aquí de un auténtico mundo correal, estético, de signos». Por lo que esta realidad será un simbolismo en cada objeto que rodea al personaje, nada será al azar, también los adornos serán objetos abstractos que construirán la estética del arte, «la clave de todo contenido del arte reside en su técnica», concepto éste, el de técnica, que habríamos de traducir aquí por el de forma. Como dice Dreyer: «El alma (de la obra de arte) se manifiesta a través del estilo que, siendo el catalizador de la inspiración poética del artista, refleja la manera con que éste expresa la materia que trata. El estilo es indispensable para fijar la inspiración en una forma artística. Por medio del estilo el artista fusiona y armoniza los diversos elementos, dándoles una unidad, al mismo tiempo que logra que los demás veamos el argumento como lo ven sus propios ojos. El estilo es inseparable de la obra de arte acabada. La penetra, la invade y, sin embargo, permanece en cada momento invisible como algo que no se deja comprobar. Y todos los que han visto mis obras reconocerán, por otra parte, que para mí la técnica es un medio y no un fin y que mi fin ha sido siempre hacer vivir al espectador una experiencia que lo enriquezca en su interior». Los elementos y objetos materiales que componen las diferentes escenas, a pesar del realismo del mobiliario y de los vestidos de los personajes, que son basado en de cada época citada (siglo XIX, años 40`, 50`, 80` etc.) poseen siempre una significación precisa y en absoluto han sido escogidos justificadamente, esto es, la selección de su número, la disposición del encuadre y la sobriedad ornamental están en perfecta concordancia con el contenido del cortometraje.

Por ultimo este corto es A-temporal, por lo que veremos es una mescla de elementos fuera de todo contexto, como la utilización de objetos de época, como en la escena del bar donde predominara la época de los años 50, como también la escena del travesti, que en su vestimenta representara la época del 90 y 2000, mi propuesta es que cada escena contenga una época característica y a partir de eso construyamos el entorno fantástico por el cual transita Ernesto.

Citas: Enrique Castaños Alés, Carl Theodor Dreyer, Max Bense, G. W. F. Hegel y Menéndez Pelayo

Por: Romny Leiva

Bajada por Valparaiso

2007-12-06T01:03:00.000-03:00

Calle Aduanilla. Ecuentro con el Sereno

Bajada por Valparaiso

2007-12-05T22:49:00.000-03:00

Museo Lord Crochrane

Mapas Locaciones

2007-12-05T22:38:00.001-03:00

Escena 1
Subida Tomás Ramos

Museo Lord Crochrane

Calle Aduanilla

Escena 2 y 4
Plaza Echaurren

Escena 3
Bar "Lo Vasquez". Calle Eloy Alfaro

Escena 5
Pasaje Almirante Goñi

Escena 6
Puerto

Bajada por Valparaiso

2007-12-04T22:31:00.000-03:00

Tomás Ramos

Personaje Ernesto Lillo

2007-12-04T16:59:00.001-03:00

Sidhartha

Bar

2007-12-04T14:18:00.000-03:00

Bar "Lo Vasquez"

Prueba de Cámara

2007-12-04T01:27:00.001-03:00

Vestimenta marinos

2007-12-04T00:14:00.001-03:00

La carreta: Símbolo del último viaje

2007-12-03T23:45:00.000-03:00

Desde muy temprano en nuestra historia, la carreta tomó su sitio preponderante entre los medios de transportes terrestres en las dilatadas y despobladas calles porteñas.

Los troperos y sus carretas configuraron, junto a los arrieros y sus mulas, el sistema de transporte terrestre que articuló los mercados de América Latina durante más de 300 años. Desde la conquista española (siglo XVI), hasta la expansión del ferrocarril (segunda mitad del XIX), estos actores tuvieron a su cargo el transporte y el comercio en la región, y contribuyeron, en forma decisiva, a promover la agricultura, la ganadería, la minería y la industria artesanal. Su tarea fue complementaria del transporte marítimo y fluvial, que enlazaba los mercados locales con los puertos de ultramar.

La carreta estuvo en el corazón de la actividad económica de América Latina durante más de tres siglos. La relevancia de la carreta en el espacio latinoamericano se ha visto reflejada en las más diversas expresiones de la vida económica, social y cultural de la región. Un país ha elevado a la carreta al nivel de “símbolo nacional” (Costa Rica). En otras naciones se han realizado monumentos, esculturas y murales en honor a la carreta (Uruguay y Chile). La tradición de este medio de transporte es renovada constantemente en desfiles de carretas que se realizan en festivales populares, como los que ocurren cada año en Panamá. A ello podríamos añadir la apelación comercial a este tradicional medio de transporte, cuyo nombre es constantemente utilizado como marca o denominación de restaurantes, hoteles y posadas desde Argentina y Chile hasta Venezuela, México y EEUU, sobre todo los estados de origen hispánico como Florida y Nuevo México.

La carreta es puesta allí, como símbolo de una tradición que se valora, aunque todavía no se comprenda muy bien por qué. Desde la literatura varios autores han colocado a la carreta en el centro de sus obras como René Marqués (Puerto Rico), Bruno Traven (México), Enrique Amorim (Uruguay), Juan Draghi Lucero y Ana Gándara (Argentina) y Luis Durand (Chile). En el campo de la música popular, la carreta se encuentra presente en canciones de muchos de los más difundidos cantores del Cono Sur, como Víctor Jara (Chile), Atahualpa Yupanqui y Buenaventura Luna (Argentina).

La carreta surge entonces como un símbolo de la cultura latinoamericana, un referente identitario, un lazo con las raíces históricas. Pero la carreta aún en nuestros tiempos es parte de la sociedad, en algunas como un ente criollo asociado a nuestro folclor, para otro es parte de su día a día, generalmente los vemos en las zonas rurales del país donde se utiliza como medio de comunicación entre pueblos, transporte, como parte del trabajo, pero aun así en partes urbanas podemos ver la utilización de la carreta, haciendo un contraste con este mundo frio, indiferente, falto de vida en sus calles, la carreta rompe con este mutismo, con este tiempo, quebranta toda lógica humana, cuando la vemos andar lentamente al trote de sus caballos, cuando oímos el rechinar paso a paso, cuando escuchamos el grito de cochero que dice: “harre”, “harre” en las angostas calles porteñas, esta nos rompe nuestra visualidad, para alguno como algo grotesco para otros como algo pintoresco, pero todos en nuestras convenciones, en nuestro subconsciente sabemos lo que es una carreta, un destino, un punto final, un viaje, difícilmente cercano, real, es un viaje en nuestra mente, es un símbolo de viaje, por eso la carreta es parte de una poética colectiva mental, de ella sacamos miles y una lectura, como saber ¿donde va?, ¿su meta?, ¿que es lo que lleva?, con el imaginario carreta hacemos una asociación del objeto pero mas aun se construimos un relato visual a partir de este, inconscientemente la hacemos parte de uno, mas allá de un objeto histórico digno de museos, pasa hacer un cuento social. Como lo vemos en la película de Carl Dreyer “Ordet”. En una de las escenas finales, vemos la muerte de unos de los personajes, por lo que la familia prepara el velorio, mientras una carreta-carroza va en busca del cuerpo para su entierro, los que nos dice Dreyer mas allá del lenguaje propio del film que es la Fé es que esta carreta solitaria que avanza por el campo en busca de un cuerpo para luego llevarlo a su ultima morada física y como ultimo lugar para su viaje a otro mundo, es el simbolismo de un ultimo viaje del humano.

La asociación de la carreta pasa hacer nuestro acompañante a otra vida, a este otro espacio y tiempo que hay mas allá de la vida física, la carreta mas lejos de llevarnos de un pueblo a otro es un canal comunicación entre la vida-muerte trasciende los portales de humanos, quedándose en nuestro imaginario propio.

Por: Romny Leiva

La carreta

La rueda, el paso, el hombre que cavila.

Absorta de luz, la carreta
en camino hacia quién sabe dónde
y el tránsito del cielo la acompaña.

Giran imágenes en torno
de los ejes y, sin cesar,
a el sendero abandona las horas.

Toda premura la disipa el viento
que al campo peina y arrea
en silencio cambiantes nubes.
¿Quién guía la carreta de lentas ruedas
y polvorosos pensamientos?
Parece sencillo existir
o caminar ignorando hacia dónde.

Mientras viaja detenida la carreta,
un dentro con un más dentro
es réplica o murmullo de resaca.

La rueda, el paso, el hombre que cavila.

(Jorge Caballero).

Sergio Larrain

2007-11-28T00:43:00.001-03:00

Sergio Larrain nace en Santiago de Chile en 1931.
Hijo de un arquitecto de reconocido prestigio.
En 1948 viaja a Estados Unidos donde estudia en varias universidades ingeniería forestal. Estudios que no le satisfacen.
En ese país adquiere su primera cámara fotográfica una Leica IIIC.
En 1951 vuelve a Chile y comienza a fotografiar.
También aprovecha un viaje familiar que dura ocho meses por Europa y Oriente Medio ( Egipto, Israel, Estambul, Grecia, Italia, España, Inglaterra, Francia, ... ).
En 1956 envia un portfolio al Museo de Arte Moderno de Nueva York, le compran dos fotografías el cheque viene firmado por Stiechen.
En 1959, Cartier-Bresson le anima a formar parte de Magnum y se va a Europa a probar suerte.
Pasa varios años trabajando para diversas revistas europeas.
Colabora con Pablo Neruda en una edición de un libro sobre su casa en Isla Negra.
Desde finales de los años sesenta vive en Olave, un pueblo de la cordillera chilena, cerca de Valparaíso, casi por completo apartado del mundo de las imágenes.
Su máxima sobre la fotografía, según sus palabras: " solo se consiguen buenas fotos cuando uno hace lo que de verdad le interesa, o sea, escoger uno mismo sus temas ... dibujar con lápiz y un bloc es la mejor manera de entrar en un tema ... trabajar sin tiempo, durante meses, años, hasta sentir que uno lo ha logrado ... es lo que da fotos que se sostienen ... en general los trabajos de encargo no dan fotos buenas realmente ... es como la poesía, uno debe hacer su gusto, nada más ...".

Por: El Angel Caido

Requerimientos Técnicos

2007-11-28T00:35:00.000-03:00

Departamento de Fotografía:
- 3 Cintas MiniDV Panasonic DVM-60
- Cámara Panasonic AG-DVX100b con dos Baterías y Bolso
- Trípode Manfrotto 501-525
- Fotometro Sekonic L-558Cine
- 4 Fresnel Lowell 650w
- 1 Open Face 1Kw
- 1 Maletas Fluotec Luz Fría
- 2 Trípodes Livianos 4 Cuerpos
- 2 Trípode Liviano 3 Cuerpos
- 8 Extensiones 10amp Negras
- Super Clamp 035

Departamento de Sonido:
- 1 Mic AKG C-568b
- Mix-Pre 2 Canales Sound-Devices
- 2 Microfonos lavalier Senheiser EW-122G2
- 1 Caña k-Tek
- 1 Kit Rycotte
- 4 Cables XLR

Fungibles en Común:
- 4 Pliegos de Papel Vegetal de 0.65mm
- Perros C-47
- Gaffer Power Tape 9mt
- Masking 3M Grueso
- 2 plumavit 50mm

Propuesta de Fotografía

2007-11-28T00:10:00.000-03:00

La imagen del cortometraje examen “El Cuarto Espejo” deberá cumplir con las propuestas narrativas que se han acordado entre los distintos departamentos, entre ellas podemos mencionar por ejemplo, la fotografía Porteña de Sergio Larraín, elementos de Antonio Quintana y filmes hechos en Valparaíso en donde observamos un ambiente bohemio. Por lo que la dirección de fotografía seguirá la misma forma nocturna, obscura, enrarecida y de toques surrealistas. Los encuadres y la luz deberán hacer sentir esta onírica mirada, que para nosotros se vera reflejada en la historia del personaje principal Ernesto Lillo y los ambientes que este transita, a esto quiero agregar el uso del blanco y negro durante todo el filme el cual a mi parecer aporta aparte de en términos técnicos solucionar luz artificial de ambientes como las calles nocturnas, sino que también aporta una atmosfera mas irreal, mas apegada a la propuesta estética y por supuesto a las citas y a los referentes utilizados.

En varias de las escenas se trabajaran contrastes marcados, zonas con sombras densas, rostros motivados por la luz típica de un bar quizás 1:4 y 1:8 para la mayoría de los casos o más si es necesario, los planos en su mayoría estarán grabados con focales abiertas utilizando todo lo que de la óptica de la cámara, 32.5mm en su equivalencia a 35mm, no se descarta la utilización de una lentilla angular para exagerar las líneas y las curvas de la topografía porteña y la deformación de las perspectivas.

En términos de la utilización de la luz natural la película comienza a la caída la luz del sol en una hora conocida como Twilight donde la dominante es una luz difusa y de un color lila intenso que intensificara el contraste en los rostros, en la escena ya podremos ver las luces de la cuidad encendidas. Los ambientes interiores con una luz de tonal baja (Low-Key) en las zonas amplias con sectores más legibles, las calles marcadas por las luces típicas de los postes con sombras y zonas de sub-exposición dibujadas por las formas de las calles sucias propias de la noche y para finalizar en la ultima escena se trabajara una luz de amanecer en donde aun no tenemos el sol con una luz difusa muy tenue, a lo cual ojala el tiempo nos agregue algo de vaguada costera.

La cámara del cortometraje será una cámara estática para los exteriores quizás con pequeñas correcciones de encuadre en su mayoría sobre un trípode, a los cual se le agregara en los interiores como la escena del bar la fluidez y la reacción mas espontanea de una cámara al hombro sin exagerar los movimientos erráticos sino que solo para darle mas dinamismo y respuesta a los movimientos, los encuadres enrarecidos mezclados con la utilización vasta del lugar otorgaran las citas que ya antes mencionadas.

Finalmente me toca decir que mis referentes estéticos son, en la pintura Edward Hopper, por la forma en que la luz juega un papel principal en sus composiciones, la fotografía Sergio Larraín y Antonio Quintana, la utilización del espacio y los personajes de la bohemia porteña, inmersos en el lugar y con la manipulación del espacio por medio de encuadres y ángulos de cámara y finalmente en el cine de Christopher Doyle en Fallen Angel, Chunking Express y 2046 su trabajos de encuadre enrarecido y Diego Bonacina con Valparaíso Mi Amor por sus ambientes realistas, bohemios, tenues y uso de luz disponible.

Por: Juan Guajardo

Segundo alcance sobre el sonido

2007-11-21T19:29:00.000-03:00

Presunto sistema de captura:

En la mayoría de los trabajos cinematográficos se manifiestan tres líneas sonoras donde se enfatizan, claro está, tres aspectos.

1.- es el dialogo, 2.- el sonido ambiente y 3.- los ruidos provocados por los personajes, como por ejemplo el sonido especifico del alcantarillado provocado por el vagabundo o el sonido de los caballos, sonidos que atraen a Ernesto.

En el rodaje hay que regirse por el dialogo y el ambiente y para eso se necesitarían dos micrófonos específicos, una para la captura de los diálogos y otra para el ambiente y no un micrófono para las dos funciones. Habría una perdida en las dos capturas.

En los diálogos. La cámara hará el trabajo de capturadora y para el ambiente será el data la que registre, el motivo es por que habrá que capturar aparte por si se necesitara apoyo para el ambiente.

Los ruidos provocados por los personajes, las ropas, sonidos incitados por la dirección de arte, cuchillos, etc. Serán trabajados aparte en un cuarto después del rodaje, con el apoyo de la imagen, se efectuara una imitación del sonido. Por ejemplo los pasos de la prostituta “Betty”. Será capturado fuera del decorado, aparte como apoyo hacia un mejor entendimiento sonoro.

En el Montaje, estarán las tres pistas de audio y con el final cut habrá una ecualización de los tres tipos de sonidos para así entablar un enlace fluido y amable.

Por: Max Aedo

Fotos Puerto

2007-11-14T23:51:00.000-03:00

Locación segura.

Primer alcance sobre el sonido

2007-11-14T18:04:00.000-03:00

Una aproximación:

Los sonidos de Valparaíso son de carácter único y a la vez infinitos. Hay tanta Historia y tantos detalles sonoros que hay que capturar. Para agrupar los sonidos y detallar el sonido que se quiere, se explicara por medio de cada escena de argumento expuesto.

Escena 1.-
Al igual que en la ultima escena, Ernesto contempla un Valparaíso reflexivo y sublime. Donde la característica sonora es el silencio de la llegada o de la despedida. En esta escena es el viento y el sonido del infierno a lo lejos. El sonido de sus pasos, el silencio de la lejanía.

Escena 2.-
Ya estamos dentro de un Valparaíso pleno de sonidos exteriores donde se presiente el del interior y la llamarada sonora de las calles y cables eléctricos etc.…
Mi intención es enfatizar la tensión para anunciar el futuro conflicto y la actitud tosca de Ramón.

Escena 3.-
El sonido va a lo más expuesto en la imagen. La pelea alberga muchos sonidos como quiebres de copas, gritos y confusión. El sonido del cuchillo etc. Ernesto esta confundido y los sonidos podrían ayudar al espectador a sentir tal confusión.

Escena 4 y 5.-
El sonido va en ayuda a la imagen para hacer un conjunto apreciable y compatible. Direccional al los diálogos y cada sonido provocado por los personajes y por el ambiente dentro de cuadro y fuera de campo.

Escena 6.-
La representación de lejanía, de despedida va en un énfasis por el mar y el sonido del barco o bote. La ciudad cada vez más lejos acentúa un sonido y un silencio natural y pasivo.

La música de presentación y créditos del corto podrían ser sonidos de Valparaíso una continuidad a las escenas o una música elegida por el director asignado.

Por: Max Aedo

Argumento v1.1

2007-11-10T19:19:00.001-03:00

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Y así comenzamos

2007-11-10T15:53:00.000-03:00

Aqui comienza este proyecto de cortometraje de ficción (aun sin nombre). Durante este momento, se irá subiendo material tanto de producción como de orden creativo. Lo más proximo será el argumento para luedo dar paso a una primera versión del guión. Esperamos contar con la presencia de todo el equipo para tener un orden en cuanto al material expuesto en este lugar.
Saludos a todos.